Situacionismo

El situacionismo, originado en el año 1957 en Italia, es un movimiento basado en la idea de lo “situacional” , es decir, en los momentos que cada individuo debe construir cada día para así explorar su potencial y romper con la alineación tradicional para lograr satisfacer sus necesidades. Es un movimiento en contra de la sociedad, cultura y ambiente político de Europa constituido por cineastas, artistas plásticos, arquitectos y poetas principalmente. Principalmente, es una corriente de pensamiento crítico, resultado de diversas corrientes de pensamiento que se fusionaron para lograr el objetivo de la libertad del individuo y romper definitivamente con la tradición consumista de la sociedad.

Su principal representante es Guy Debord, autor de varios escritos como el que recopila las finalidades y aptitudes del movimiento titulado “La Sociedad del Espectáculo” (1967). A su vez, fue el líder de la Internacional Situacionista: sociedad secreta considerado el vehículo de divulgación de las ideas situacionistas por medio de boletines. Otro texto que fu declarado uno de los más importantes para el pensamiento situacionista fué “De la misère en milieu étudiant, considérée sous ses aspects économique, politique, psychologique, sexuel et notamment intellectuel, et de quelques moyens pour y remédier” escrito por Mustapha Khayati en 1966, el cuál trata de liberar al individuo de la cotidianidad diaria.

Uno de los conceptos más importantes desarrollados por Debord es el de la deriva o el détournement; esta habla de habla de la posibilidad artística y política de tomar algo creado por el capitalismo y el sistema político en el poder y cambiar su significación y uso original para generar un efecto de crítica. Puede ser visto como un tipo de apropiación donde se toma una obra existente y se crea una nueva con un significado antagonista o antitético al original. Una obra que utilice el détournement no puede sencillamente aludir al tópico que busca criticar, sino que debe apropiarse de aquello que busca atacar y dentro de esa apropiación hacer las modificaciones debidas para lograr su objetivo crítico. Existen dos tipos de détournement, el menor, que sólo toma un objeto sin mucha trascendencia y le da un significado y el engañoso, que toma un objeto que ya representa un pensamiento o filosofía y lo critica.

La relación, entonces, entre situacionismo y la teoría de la deriva es sencilla: para Debord los medios masivos y la propaganda tienen un rol central en la sociedad capitalista avanzada. Este rol es mostrar una realidad falsa para esconder la degradación de la vida humana que trae el capitalismo. Entonces, es posible afirmar que el situacionismo se basa en la deriva para hacer su crítica al capitalismo tomando iconos de la sociedad capitalista y apropiándose de ellos para así cambiar su significado y mostrar lo opuesto.

Los parámetros del gusto para el juicio estético

Los paradigmas de lo bello se comenzaron a cuestionar desde el periodo Clásico. Con la metafísica desarrollada principalmente por los griegos, se logró concretar una división contundente entre las diferentes percepciones captadas por el ser humano, consolidadas en dos tipos de realidades, la inteligible y la sensible. Esta constante adversidad entre estas dos verdades se siguió evidenciando en el debate moderno entre el racionalismo y el empirísmo, la objetividad y la subjetividad, lo universal y lo individual en periodos posteriores hasta nuestros días, modificando constantemente la percepción del conocimiento individual y social que empezó a evolucionar en diferentes áreas como el arte.

Desde la época antigua hasta principios del renacimiento, el arte se ha considerado como medio de representación de una realidad utilizando al autor como medio para lograr una orden de un segundo. Esto quiere decir, que el concepto del artista no existía durante estos períodos de la historia, sino que a toda persona que producía arte se le denominaba artesano. Con el fin de la era oscura conocida como la Edad Media, se estableció un sentido del arte y la importancia de quien practicara esta vocación involucrándolos con la ciencia que se comienza a desarrollar durante el Renacimiento. Sin embargo, es importante anotar que este concepto de artista dista del concepto contemporáneo, pues aunque sí existía el concepto del artista como maestro y docto en una cierta técnica,

Gracias a lo anterior, después del siglo XV, el artista se propuso a hacer una imitación de la naturaleza y la belleza, y con ayuda de la mutua colaboración entre el arte y la ciencia, se lograría llegar a una correcta imitación de la propia naturaleza. Es importante destacar, el gran aporte de Alberti con sus tratados de la pintura, la arquitectura y la escultura que hacen evidente la importancia teórica que adquirió el arte en está época. Por eso es correcto afirmar que el Renacimiento se basó en la toma de elementos y procesos clásicos para hacer más válido el uso de la racionalidad que el del empírico el cual, combinado con el uso de la imaginación y la intuición sensible, lleva al hombre al error y la confusión.

El arte clásico se destacó por el uso de formas independientes, de composiciones geométricas, de la construcción del espacio en planos, la ausencia de contrastes y la constante búsqueda de la belleza, es decir, la armonía de todas las partes interrelacionadas entre si dentro de una obra artística. Esto demuestra que la razón con carácter de validez absoluta se empieza a ver aplicada en las actividades artísticas y van directamente enlazadas con la adecuación. Boileau defiende está afirmación estableciendo que el poeta solo debe imitar ya que el principio central de la estética es la justeza.

A pesar que la belleza se consideró universal, concepto que tenía que cumplir con ciertos parámetros para que existiera en una obra, surgió como defensa subjetiva el concepto de gusto (juzgar por medio de un sentimiento indefinido antes de utilizar la reflexión), derivando así este legado objetivo. Consecuentemente, estas disputas alrededor del verdadero sentido del conocimiento, causaron la crisis del Clasicismo. Las más destacadas abarcaron el siglo XVIII y abarcaron la discusión de la autonomía del juicio estético. Para empezar, Blondel defendió la objetividad y universalidad de los parámetros para realizar cualquier pieza arquitectónica lo cuál fue refutado por Perrault que creía en la subjetividad de su desarrollo. Siguiendo con Poussin y Rubens, el tema a discutir fue el color donde el primero nombra el ‘‘Grand-gout’’ como argumento de la racionalidad en el uso del color mientras que el segundo defiende la diversidad estilística en cuanto al uso de este. Por último, Boileau y Perrault se debatieron el carácter relativo de los parámetros del gusto.