Colchones y Cifras: Epidemia de colchones en las calles de Madrid.

Cuando por fin levantaron la prohibición de salir a la calle muchos de nosotros comenzamos a idealizar con la nueva normalidad que teníamos que abordar al finalizar la cuarentena. Una cuarentena de poco más de tres meses donde muchos sintieron ahogarse en sus propias casas.

El primer paseo pudo compararse con la llegada de marineros a tierras vírgenes: ríos de gente mirando hacía los balcones, el cielo, los árboles, la gente. Además todos caminaban, nadie se detenía. Como si estuviéramos en constante vigilancia, como si tuviéramos el virus pisándonos los talones.

Durante mis caminatas por el gran barrio obrero de Carabanchel, comencé a ver una constante cerca a los cubos de basura. Colchones tirados en la calle de todo tipo: grandes, pequeños, viejos, en buenas condiciones, de colores, blancos. Fue durante la segunda semana que me percaté que podía haber algo más detrás de tantos colchones en las calles. Después de buscar alguna explicación por Internet me di cuenta que no era la única en preguntarme sobre este fenómeno.  Algunos culpaban al servicio de limpieza y otros al gobierno. Unos pocos resolvían la situación con un “pues están los colchones en promoción”. Pero es de extrañarse que la gente tuviera la necesidad de comprarse un colchón luego de la cuarentena. Y más sabiendo la crisis económica que se avecinaba.

Para nadie es un secreto que la pandemia fue gestionada de la peor manera a nivel internacional. El exceso de información hizo que, al final, no hubiera información concreta sobre la verdadera situación. Las cifras de afectados por el virus se volvió el pan de cada día de una guerra invisible. Solo al salir de casa, los que no nos vimos directamente afectados por la situación pudimos enfrentarnos a la prueba física más cercana de los fallecidos por el COVID19. Esta vez no eran féretros, eran colchones.

Esta serie fotográfica muestra el encuentro con estos colchones. Más que un ejercicio de contabilidad fue un descubrimiento de esta teoría que bien o no puede ser cierta.

Fueron muchos más pero la noche me impidió registrarlos todos.

 

 

Situacionismo

El situacionismo, originado en el año 1957 en Italia, es un movimiento basado en la idea de lo “situacional” , es decir, en los momentos que cada individuo debe construir cada día para así explorar su potencial y romper con la alineación tradicional para lograr satisfacer sus necesidades. Es un movimiento en contra de la sociedad, cultura y ambiente político de Europa constituido por cineastas, artistas plásticos, arquitectos y poetas principalmente. Principalmente, es una corriente de pensamiento crítico, resultado de diversas corrientes de pensamiento que se fusionaron para lograr el objetivo de la libertad del individuo y romper definitivamente con la tradición consumista de la sociedad.

Su principal representante es Guy Debord, autor de varios escritos como el que recopila las finalidades y aptitudes del movimiento titulado “La Sociedad del Espectáculo” (1967). A su vez, fue el líder de la Internacional Situacionista: sociedad secreta considerado el vehículo de divulgación de las ideas situacionistas por medio de boletines. Otro texto que fu declarado uno de los más importantes para el pensamiento situacionista fué “De la misère en milieu étudiant, considérée sous ses aspects économique, politique, psychologique, sexuel et notamment intellectuel, et de quelques moyens pour y remédier” escrito por Mustapha Khayati en 1966, el cuál trata de liberar al individuo de la cotidianidad diaria.

Uno de los conceptos más importantes desarrollados por Debord es el de la deriva o el détournement; esta habla de habla de la posibilidad artística y política de tomar algo creado por el capitalismo y el sistema político en el poder y cambiar su significación y uso original para generar un efecto de crítica. Puede ser visto como un tipo de apropiación donde se toma una obra existente y se crea una nueva con un significado antagonista o antitético al original. Una obra que utilice el détournement no puede sencillamente aludir al tópico que busca criticar, sino que debe apropiarse de aquello que busca atacar y dentro de esa apropiación hacer las modificaciones debidas para lograr su objetivo crítico. Existen dos tipos de détournement, el menor, que sólo toma un objeto sin mucha trascendencia y le da un significado y el engañoso, que toma un objeto que ya representa un pensamiento o filosofía y lo critica.

La relación, entonces, entre situacionismo y la teoría de la deriva es sencilla: para Debord los medios masivos y la propaganda tienen un rol central en la sociedad capitalista avanzada. Este rol es mostrar una realidad falsa para esconder la degradación de la vida humana que trae el capitalismo. Entonces, es posible afirmar que el situacionismo se basa en la deriva para hacer su crítica al capitalismo tomando iconos de la sociedad capitalista y apropiándose de ellos para así cambiar su significado y mostrar lo opuesto.

Vanguardias en la línea del tiempo

1960

Clement Greenberg, autor de “Modernist Painting”, trabajó con términos como all over (para referirse a las superficies uniformes de algunos cuadros del expresionismo abstracto), easel picture (pintura de caballete), homeless representation (representación vacante). Además forjó la noción de espacio de color donde las propiedades ópticas deslumbran las propiedades de las obras. Greenberg pensaba que la vanguardia, desvinculándose del arte, se había colocado en posición que él caracterizaba, de modo negativo, como meramente “futurista y subversiva”, mientras, por lo contrario, el arte constituía la renovación de una tradición pictórica.

La primera marca dejada sobre un lienzo destruye su absoluta y literal bidimensionalidad.

Greenberg constató que la luminosidad producida por las marañas lineales y relativamente monocromas de Jackson Pollock se habían trasladado al ámbito de la intensidad cromática.

El NeoDadaísmo, según Greenberg, degradaba el proyecto moderno del arte. Recalcaba que era irónico representar configuraciones planes y artificiales que en realidad pueden ser reproducidas, no había un interés formal o plástico sino meramente periodístico. Había aniquilado el nexo del arte con la vida, el arte se veía limitado por las convenciones del propio medio. La supervivencia de la cultura dependía de la capacidad de la vanguardia para derrotar al devastador arte burgués y retomando su idea de que la lógica de la modernidad consistía en la justificación del arte por si mismo, así que la supervivencia del arte depende de su propia derrota.

Durante este mismo año, Roy Lichtensein y Andy Warhol, independientemente uno del otro, empezaron a realizar cuadros basados en viñetas y anuncios de periódicos. Los críticos tacharon sus obras de banales, en primer lugar por su contenido ligado a la cultura Pop, caracterizado por su diseño comercial. Lichtensein copiaba pero su proceso de creación era complejo: Seleccionaba una o varias viñetas, proyectaba el dibujo con un proyector opaco, calcaba la imagen en el lienzo, la ajustaba al plano pictórico y, por último, la rellenaba con puntos estarcidos, colores primarios y contornos gruesos. Aunque Lichtensein se apropiaba de imágenes de productos, borraba los nombres de las marcas mientras que Warhol fue partidario en que se mostraran en la obra.

Otro artista de la época llamado James Rosenquist solía utilizar imágenes insulsas de objetos cotidianos lo suficientemente comunes para pasar desapercibidos y lo suficientemente antiguos para ser olvidados. En muchas obras, los temas están lejos de ser neutrales y utiliza la estética Pop para realizar un comentario social. Rosenquist, acompañado de Lichtenstein y otros artistas desafiaron las oposiciones que articulaban la pintura del siglo XX: lo culto frente a lo popular, las bellas artes frente al dominio de lo comercial e incluso el abstracto frente al a representación. Si el arte Pop es radical no tanto en su oposición temática de formas cultas y contenidos populares, sino en la identidad estructural del signo rudimentario y la sofisticación pictórica.

White Bread -James Rosenquist

1961

Allan Kaprow, autor del ensayo “The Legacy of Jackson Pollock”, señala las innovaciones de este artista ya que lleva el acto de pintar, el nuevo espacio y su marca personal que moldea su propio significado. La inmediatez del acto de pintar, la pérdida del yo y de la identidad en lo potencialmente infinito, la expansión del espacio pictórico, la nueva escala que socava la autonomía del lienzo como objeto artístico y lo transforma en un entorno, entre más elementos, convierten la obra de Pollock en un arte que desborda límites e invade nuestro mundo.

Kaprow considera que es posible diluir las jerarquías y los sistemas de valores y confirma que el arte nos da la disponibilidad del mundo entero con los happenings. En una ocasión, Kaprow decidió escenificar la obsolescencia planificada, enmarcada en al alto consumo y producción,con formaciones geométricas de hielo al aire libre las cuales fueron dejadas dejadas para su posterior descongelación.

Fluids – Allan Kaprow

1962

Fluxus se mantiene como el más complejo movimiento artístico surgido entre principios y mediados de los años sesenta. Su desarrollo fue paralelo al del Pop Art y el minimalismo estadounidense y al del Nuevo Realismo en Europa. Este movimiento no distinguía entre arte y vida ya que afirmaba que las acciones banales, rutinarias y cotidianas debían considerarse acontecimientos artísticos. El movimiento también se podría describir como traumático ya que se valía de la experiencia de exilio por parte de los artistas durante y después de la Segunda Guerra Mundial. Por eso, este movimiento procura que el arte sea simple, entretenido, sin pretensiones, carente de requisitos, sin valor constitucional o de consumo.

Cae afirmar que Fluxus fue el primer proyecto cultural del periodo de posguerra en reconocer que las construcciones colectivas de la identidad y las relaciones sociales estaban esencial y universalmente mediadas por objetos reificados de consumo, y que esta aniquilación sistemática de las formas convencionales de subjetividad precisaba de una articulación estética igualmente reificada y diseminada a escala internacional. Mientras que los artistas Pop afirmaban que el ámbito de la pintura y de la escultura era esencialmente distinto al del ready made y, por supuesto, al de los objetos cotidianos, los artistas Fluxus subrayaban justamente lo contrario: que sólo en el nivel del propio objeto podía combatirse la experiencia de la reificación mediante la radical transformación de los objetos y géneros artísticos en acontecimientos.

El Dada y el Productivismo le sirvieron al Fluxus de modelo aportándole el uso de la tipografía y el diseño, el tipo de letra y la maquetación.

El proyecto Fluxus estuvo caracterizado por una serie de contradicciones entre la teoría y la práctica. Vehemente opuesto a la objetivación y el estatuto comunista de la obra de arte, produjo innumerables objetos de consumo, vulgares y baratos. Aunque insistí en el acceso universal a los objetos artísticos más allá de las fronteras geopolíticas y de clase, se convirtió en una de las formaciones culturales más inaccesibles y esotéricas del siglo XX.

Por otra parte, el Accionismo Vienes es formado por Gunter Brus, Otto Muhl y Hermann Nitsch para enfrentarse al totalitarismo y el fascismo que dejó en ruinas a Europa. Ellos fueron los que dieron fin a la pintura en caballete, con sus procesos, materiales y formatos tradicionales. Sus obras se mueven dentro de un amplio abanico entre lo sagrado y lo grotesco.

En cuanto a los happenings, mientras que los de los americanos se centran en el choque entre cuerpo y tecnología, entre el entorno mecánico y la cultura de masas, los accionistas vieneses enfatizan en la teatralidad y el ritual. El psicoanálisis es otro elemento definitorio de este movimiento el cual se interesa en el origen polimorfo de la estructura libidal.

Self Paint Self Mutilation – Gunter Brus

El extraordinario grado de violencia con el que la obra de los accionistas confronta a los espectadores paree tener sus raíces en una dialéctica propia de las culturas posfascistas europeas. Nitsch, quien empezó a realizar variaciones en su pintura, trataba de simular un sacrificio utilizando el monocromo moderno mediante el cual presentaba una experiencia ritual y trascendental. Muhl, por su parte, despliega dos grandes estrategias: Entwirklichung (desrealización)  y Entzwechung (desfuncionalización) en las cuales se apartan los objetos y los materiales de sus funciones habituales y su objetivo es conseguir una experiencia de inmediatez cognitiva y sensorial.

1963

Cuando el Realismo Socialista fue declarado arte oficiak de Estado, el Constructivismo de Vladimir Tatlin y Aleksandr Rodchenko se trasladó a Occidente. Los escultores Naum Gabo y Antoine Pevsner observaban el Constructivismo en los términos idealistas del arte puro, más que en los términos materialistas de la construcción aplicada. El tratamiento fetichista del arte formal está muy alejado de la cultura de los materiales con la que pioneros del Constructivismo como Tatlin y Rodchenko utilizaron. La idea Constructiva de Gabo y Pevser triunfó en Occidente precisamente por su fusión de idealismo estético y fetichismo tecnológico. Con este movimiento se fusionaron dos imperativos del arte moderno: la materialización y la desmaterialización de la obra de arte .

1964

Joseph Beuys expuso una pequeña selección de sus dibujos y esculturas realizados entre 1951 -1956 y, sumado a dos eventos que hasta pusieron en riesgo su vida, se le atribuyó como primer gran artista del periodo de reconstrucción de la cultura germano-occidental de posguerra. La cultura de la reconstrucción y el internacionalismo sirvieron para que se adpatara a la necesidad de confrontarse con el pasado reciente de Alemania, encubriendo la incapacidad colectiva de hacer duelo por las víctimas del fascismo. La estética de la amnesia dio a Beuys un distintivo que lo llevó a triunfar al crear la estética de la memoria. En su trayecto artístico se puede ver el flujo dialéctico perpetuo entre la producción de objetos y la performatividad característica del movimiento Fluxus con al cual promovía la desfetichización y la reinvención simultanea del objeto.

I Like America and America Likes Me – Joseph Beuys

Andy Warhol es uno de los pocos aristas de posguerra cuyo nombre ha traspasado las fronteras del mundo del arte. Descubrió y explotó un nuevo método de habitar un mundo de imagenes-mercancías, donde la celebridad se confunde con la fama, la notoriedad con la noticiabilidad, el aura con el glamour y el carisma con la publicidad. Su mejor periodo abarca desde sus primeras serigrafías de 1962 hasta el tiroteo que estuvo a punto de costarle la vida en 1968.

Quiero ser una máquina. Me gustan las cosas aburridas, me gustan que las cosas sean exactamente iguales una y otra vez. No creo que el arte deba ser para una selecta minoría, creo que debe ser para la masa del pueblo americano.

Andy Warhol

Cabe decir, por tanto, que Warhol evocó el sujeto de masas fundamentalmente de dos formas mediante el icono de la fama y mediante la anomia abstracta.

Lavender Disaster – Andy Warhol

Bajo la luz del Surrealismo

Las primeras reuniones teóricas para formar lo que conocemos como el Surrealismo tomaron lugar en el año 1924 y dieron paso al primer Manifiesto Surrealista. Luego de discutir la confusión y la crisis que siguieron luego de la guerra, el artista André Breton cuenta sus experiencias personales y recopila la de sus colegas, construye una enciclopedia de términos y vivencias que luego complementa con su búsqueda del origen de la poesía. Breton, luego de abandonar el movimiento DaDa, propone declarar una alianza con los sueños, lo absurdo, lo incoherente y todo lo contrario de lo que aparenta ser la realidad. Lo maravilloso sale a la luz al descubrir el poder de los sueños, las obsesiones, las preocupaciones, el miedo, el amor y la suerte. El Surrealismo (más que el Dada) encuentra difícil separar los experimentos y las actividades de los pintores y de los escritores. Para los surrealistas el crear es una actitud mental y cada expresión y técnica son paralelas.

Picasso, de Chirico y Max Ernst hacen parte de la primera edición de La Révolution Surréaliste y descubren a un nuevo pintor con sus mismos ideales: André Mason. Su trabajo resalta las nuevas fronteras de la poesía; los paisajes toman formas humanas, fantasmas espían detrás de cárceles transparentes, palomas actúan como niños, etc. Simultáneamente, Joan Mirosalta a la escena artística con su propia manera de ver el mundo surrealista: la espontanedad manual de las formas.

Una segunda edición de La Revolution Surréaliste se publicó tildando el arte francés como un cuervo debido a que ahuyentó al “arte” de la pintura para poder anclarla al automatismo de los sueños y las revelaciones. El arte como se conocía ya no era arte, la atmósfera surrealista se torna tan explicita que no necesita explicación.

André Breton y Robert Desnos colaboran juntos en la primera exhibición surrealista en el año 1925 y pronto se abre la galeria surrealista donde se exponen trabajos de Arp, Braque, Picabia, Duchamp, Ernst, Klee, Malkine, Masson, de Chirico, Miro, Picasso, Man Ray y Tanguy. Esta galería a su vez acoge toda actividad que tenga que ver con el movimiento vanguardista; no solo muestra pinturas, sino libros, publicaciones ilustradas, manuscritos, documentos y objetos.

Corto tiempo después, Yvez Tanguy describe obra tras obra  un panorama problemático, un universo único, completo, donde se puede ver todo y a la vez nada, las leyes de gravedad son un juego y el horizonte es una concesión final. Debido a la cantidad de información que se estaba trabajando con respecto a el inconsciente y los medios artísticos, Breton retoma su objetivo de definir la pintura surrealista como un documento mediante el cual e hombre ofrece la llave para la puerta secreta de la paz, donde la imagen y la poseía se juntan para crear una pintura.

La Joie de Vivre – Max Ernst

Mientras tanto se desarrollaron otros métodos poco convencionales de creación conjunta como el cadáver exquisito donde lo surreal se transforma en un juego de creación conjunta y de espontaneidad creativa en cadena. El frottage surgió como una técnica para reconocer las infinitas variedades que un objeto nos puede ofrecer para crear y conocerlo en plenitud. Los papies colles de los cubistas fueron retomados y reformados a partir de la calidad más no la estética, donde la libertad automática y el anonimato toman protagonismo. Max Ernst fue uno de los mayores exponentes de esta técnica.

André Breton termina su libro Nadja en 1928 y en este declara que la belleza convulsiva solo puede concebirse por medio de la imagen surrealista, de la imagen automática producto de la imaginación.

Los aportes pictóricos de Dalí redireccionaron la búsqueda de los surrealistas hacia el impulso experimental.  Este artista destaca el poder que tienen los sueños y las alucinaciones los cuales representa meticulosamente. Se pone a disposición del delirio,  de las simulaciones, enfermedades, condiciones nerviosas, fenómenos sexuales e inhibiciones para llegar a la parte menos racional del hombre y así representarla con su arte.

Posteriormente se funda un periódico llamado Le Surrealisme au Service de la Révolution el cual sigue con la tradición de publicar trabajos artísticos de diferentes artistas pero niega rotundamente en ser parte de propaganda o nociones políticas. Gracias a estas publicaciones, el Surrealismo se expande a otros países como Yugoslavia y Checoslovaquia en 1930. A su vez se suman lugares como Bélgica, Estados Unidos, París y Japón.

La pintura surrealista no puede ser juzgada desde un punto de vista estético sino desde la calidad y más cuando se habla del objeto surreal el cual no tiene intención de representar sino ser. Giacometti crea obras en madera, piedra y yeso para representar los paisajes creados por Ernst y Tanguy. También crea objetos móviles, referidos como maquinas de sueños.

Head of a Man – Giacometti

El hombre y la obra son inseparables en el surrealismo. El movimiento busca la liberación poética y política del hombre. Con el Surrealismo, toda manifestación pictórica y poética están situadas al nivel de la vida y este al de los sueños.

Cronología breve

A continuación una resumida cronología de los principales acontecimientos del DaDa y el Surrealismo.

1910

En Paris,el Cubismo alcanza un periodo de desintegración de las figuras orgánicas. Braque y Picasso introducen las imágenes cubistas no-artísticas como la imitación de madera, arena y letras. En Milán se realiza el manifiesto del Futurismo donde se exalta la originalidad, el atrevimiento y la violencia. Se levanta en contra de lo que significa la armonía y el buen gusto. En Italia (¿o Munich?) De Chirico pinta su prima obra de vistas inquietantes de ciudades cuadradas y silenciosas llamada Enigma of an Autumn Afternoon.

1911

En Munich Kandinsky comienza a improvisar por medio de la pintura, más que usando el subconsciente, usando la tensión interna. En Paris, Duchamp comienza a quebrantar la pureza formal de imágenes como Coffee Mill. Las creaciones de Chagall se adelantan al Surrelismo mediante la representación de animales antropomorfos y escenas sobre tejados.

1912

En Paris, Picasso y Braque hacen papiers collés, composiciones con epdazos de papel periódico, tarjetas telefónicas, etc. También se realizaron exhibiciones futuristas utilizando métodos publicitarios y uso de tipografía. En Milán Boccioni recomienda, a través del manifiesto futurista, de la escultura, el uso de vidrio, madera, cartulina, cemento, pelo de caballo, espejos entre otros elementos.

1913

En Nueva York, Picabia anuncia la anamorfosis, una sátira del arte de ilustrar conteniendo solo la firma “Popaul Picador”. En Paris, Picasso construye obras con objetos de madera, papel, piezas de cortinas.

1914

En Paris, Duchamp comienza a desligarse del Cubismo mediante obras como Bachelors y Pharmacy. Además incursiona en la creación de su primer ready made. De Chirico empieza a presentar formas novedosas y extrañas en sus obras. En Munich, Klee muestra mediante su Little World la espontaneidad de sus tempranas fantasías.

1915

En Ferrara, Chirico y Carrà trabajan en la pittura metafisica.  Mientras tanto en Zurich, los futuros dadaístas Tzara, Arp, Janco, Hugo Ball, Huelsenbeck se reúnen.

1916

En Zurich, la palabra DADA era descubierta al azar en el diccionario. Richard Huelsenbeck organiza la celebración en el Cabaret Voltaire. La Galerie DaDa abre bajo la dirección de Tzara  Hugo Ball. Tzara publica el primer manifesto DaDa dividido e dos partes: La Première Aventure Céleste de M.Antipyrine y Phantastische Gebete. Arp da a conocer sus collages, dibujos y relieves automáticos. En Nueva York, Man Ray y su Theatre llevan la esencia DaDa.

1917

En Zurich, Tzara  publica Dada I y Dada II los cuales contienen poemas, artículos y reproducción de trabajos de artistas de la ciudad. Picaba llega a presentar diseños de la máquina DaDa. En Nueva York,  Duchamp envía envía un ready made a los Independents el cual fue rechazado.

1918

En Zurich, Picabia colabora en el tercer numero de DaDa. En Berlín,  Huelsenbeck lidera el movimiento DaDa, demostraciones y lecturas a la vez que publica: Club DaDa, Der DaDa. En Colonia,  Ernst conoce a Baargeld y luego se unen a Arp en la expansión del movimiento.

1919

En Zurich, Tzara publica 25 Poèmes acompañados de trabajos en madera de Arp. Se publica Anthologie DaDa el cual contiene trabajos de casi todos los dadaístas de la época. En Paris, Littérature es expuesta con todo el espíritu DaDa por André Breton, Philippe Soupault, Louis Aragon y Paul Eluard. Tzara colabora en el segundo número. En Berlín, el dadaísmo estaba más involucrado con la propaganda y las políticas revolucionarias. Surgen varias manifestaciones, tours de lectura y muchas otras actividades. En Colonia, Ventilator, el periódico fundado por Baargeld es un éxito. En Hanover, Schwitters cataloga todas las piezas artísticas de sus colegas con el término sin significado Merz.

1920

En Paris, se hace la primera demostración pública del DaDa en el Palais des Fetes. Dadaístas fuero expulsados de la reunión hecha en Closerie des Lilas lo cual marca la ruptura del DaDa con las tradiciones artísticas. Se realiza un festival DaDa en Salle Gaveau.  Littérature publica veintitrés manifiestos DaDa. En Berlín,  se realiza una exhibición de ciento setenta y cuatro items. En este año el movimiento alcanza su cumbre pero muere en el mismo año.

1921

 

A mediados de este año, la desintegración del movimiento empieza en Paris. Breton y y Soupault publica The Magnetic Fields una coleccion de escrituras automáticas. En Nueva York, Duchamp y Man Ray publican una edición de New York DaDa.

1922

En Paris, se realiza una exhibición internacional organizada por dadaístas ortodoxos en la Galerie Montaigne. Tzara publica la obra de teatro The Beard Heart.

1923

En Paris, las publicaciones de Littérature continua. Simultaneamente se publican libros surrealistas incluyendo Les Malheurs des Iimmortels y Répétitions de Paul Eluard y Marx Ernst.

1924

Se publica el primer manifiesto del Surrealismo en Paris por André Breton, quien se basó en la obra de Apollinaire llamada Les Mamelles de Tirésias de 1917.

Surrealismo como la psyque pura de lo automático por la cual se quiere expresar mediante lo verbal, escrito u otras formas de creación, el proceso real del pensamiento. La razón y la moral deben estar ausente.

El primer número de La Révolution Surréaliste es publicada bajo la dirección de Pierre Naville y Benjamin Péret.

1925

En Paris, Naville publica el tercer número de La Révolution Surréaliste la cual declara la imposibilidad de crear arte genuinamente surrealista. En  contraataque, Breton toma el liderazgo del periódico y publica Le Surréalisme et la Peinture .

1926

En Paris, se exhiben diferentes obras de Man Ray, Ernst, Duchamp y Francis Picabia.

1929

En Paris, Breton publica el segundo manifiesto del surrealismo en el último número de La Révolution Surréaliste.

1930

En Paris, el primer número de Le Surréalisme au Service de la Révolution es editado por Breton. Dali aporta nuevas contribuciones a la teoría surrealista y las técnicas usadas. En Nueva York, se realizan diferentes exhibiciones en el MoMa donde se incluyen trabajos surrealistas y fantásticos.

1931

L’Age d’Or es la segunda pelicula surrealista realizada por Dali y Bunnel fue proyectada en el Studio 28 en Paris. Creo tanto escándalo que fue censurada por la policía. En Hartford, se realiza la primera exclusiva  exhibición surrealista en América donde participaron artistas como Dali, de Chirico, Ernst, Miro, Picasso, Roy, Survage y Masson.

1932

En Paris, se publica This Quarter, Breton publica Les Vases Communiquants y hay varias exhibiciones de varios artistas surrealistas en la Galerie Pierre. En Nueva York, también hay varias exhibiciones de grandes exponentes en Julien Levy Gallery.

1933

En Paris, los surrealistas colaboran para la publicación periódica llamada Minotaure. Las exhibiciones del movimiento se siguen propagando en Nueva York y Londres.

1934

En Bruselas, los surrealistas parisinos colaboran en un número especial de Documents lo cual incentivan a artistas como Mesens, Magritte y otros.

1935

En Praga, Breton y Eluard animan al grupo surrealista que incluyen pintores como Toyen y Styrsky. En Copenhagen, gracias a las grandes exhibiciones realizadas, salen a la luz pintores escandinavos pertenecientes al movimiento. Esto sucede también en lugares como Tenerife, Belgrade y Japón.

1936

En Paris, se hacen varias exhibiciones de objetos surrealistas que incluyen objetos precolombinos y africanos, objetos encontrados tanto naturales como artificiales, objetos encontrados intervenidos, objetos psicóticos, entre otros. En Londres, se hace una exhibición internacional donde catorce paises participan. Hay lecturas, publicaciones y traducciones. En Nueva York, Dali, Tanguy, Magritte, Ernst exponen en el Julien Levy Gallery y de Chirico y Miro exponen en el Pierre Matisse Gallery.

Breve guía del arte fantástico, el DaDa y el surrealismo.

Introducción

El arte fantástico del pasado

El arte fantástico se veía en oscuras obras de grandes maestros y en grupos pequeños de artistas durante el Renacimiento y el siglo XVII. Se utilizaban técnicas como la doble imagen, la imagen compuesta, la perspectiva distorsionada y el aislamiento de fragmentos anatómicos. Artistas como Larmessin, Hogarth y fotógrafos de memento mori se caracterizaban por su base racional, mágica, satírica, moralista y científica que los distinguió de aquellos que pertenecieron al movimiento artístico de los dadaístas y surrealistas.

El arte fantástico y anti-racional del presente

El Dada y surrealismo le declararon la guerra a los estándares convencionales de la sociedad. El Dada comenzó en Nueva York y Zurich alrededor de 1916 y floreció luego de la Gran Guerra en Colonia, Berlin, Hanover y Paris. Los dadaístas se burlaban de lo que ellos consideraban los fallos de la cultura europea, atacando al arte “moderno” mediante el automatismo, la fantasía extrema de la materia y las formas biológicas. El Surrealismo surgió luego de la muerte del DaDa en 1922 y se especializó en el dibujo automático, el estudio de los sueños y visiones, el arte infantil y demencial, la teoría del psicoanálisis y la poseía de Lautréamont y Rimbaud. Los artistas surrealistas trataron de alcanzar la libertad de imaginación creativa pero se diferenciaban en un aspecto del arte infantil y demencial: ellos si eran conscientes cien por cien del mundo real y el mundo fantástico.

DaDa

El Dada no tiene edad. Aprueba mientras niega, se contradice y gana fuerza con su propia contradicción. Se autodestruye y revuelve todo para que no haya ni bien ni mal; solo hay conciencia. Tristan Tzara fue el que le dio nombre a este movimiento artístico.

Zurich

Todo empezó con Hugo Ball en 1916 y su club nocturno de literatura llamado Cabaret Voltaire. Aquí es donde el DaDa se manifiesta en tal confusión que es difícil diferenciarlo de su enemigo el arte pero que se embarca en una revolución, una vanguardia. A diferencia del Cubismo, Futurismo y Expresionismo, el DaDa solicitaba abstracción total, absoluta pureza en el acto de la construcción.

El movimiento creció sin límites; aparecieron artistas como Picabia, Reverdy, Birot, Dernée, Soupault, Huidobro, Savinio. Tzara sorprendió con sus poemas químicos y estáticos. Los activistas DaDa entre 1916 y 1918 atacaron directamente las convenciones y sensibilidad de un público que en respuesta se mostraron iracundo y, a su vez, impresionados.

En 1919 un grupo de pintores de tendencias dispares se reunieron bajo el nombre de Association des Artistes Révolutionnaires bajo el liderazgo de Hans Richter quién dictaminó que  los artistas deben tomar una parte activa en la política.

Nueva York

Simultáneamente, en Nueva York, Marcel Duchamp, Fancis Picabia y Man Ray estaban optando por realizar una revolución del mismo tipo. Duchamp, un pintor influenciado por Cézanne y luego por el Cubismo, empezó en 1913 a oponerse a la nueva estética y el formalismo pictórico de la época. Con los ready made dejó a un lado la pintura e incursionó la estética del objeto diario como pieza artística abriendo una era de experiencia poética donde lo casual y lo concreto son poesía potencial al alcance de nuestras manos.  Man Ray a su vez construyó objetos que contenían elementos extraños a la pintura, él crea al experimentar pero niega que su obra se califique como experimentar ya que ha sido lograda al completar un deseo, una idea. Picabia sublima el objeto máquina y la recrea fuera de su propuesta original de acuerdo con las leyes de la suerte como Duchamp.

Duchamp, Picabia y Man Ray estaban encantados por las leyes de la suerte mientras que demás artistas alrededor del mundo también lo estaban aunque en ignorancia ingenua.

Berlin

Richard Huelsenbeck es quien agrupa algunos intelectuales bajo el nombre del DaDa como Raoul Hausmann, George Grosz, C.Jung, Johannes Baadder, Heartfield, Walter Mehring, Gerhard. En Berlín es donde hay un fuerte deseo de destruir el arte, el deseo deliberado de intentar limpiar las nociones existentes de la belleza. Se descarta la individualidad ya que el acto de crear es comunal. La confusión de géneros y técnicas y la gran exploración de toda posibilidad de creación plástica son dos características del DaDa.

Exposición del DaDa en Berlín

Colonia

Hans Arp y Max Ernst , influenciados por el estilo de Expresionista,  conocieron a Baagerld y participaron en The Ventilator, un magazine DaDa principalmente político. Baargerld en compañía de Ernst, se opuso frenéticamente al movimiento DaDa en Berlín porque no estaba de acuerdo con el nexo propagandístico que adquirió el movimiento para ese entonces. Además cooperaron para la destrucción de la individualidad mediante la creación de dibujos a partir de dibujos, como apariciones o mensajes ocultos. El DaDa murió en el mismo año en Berlín y en Colonia.

Hanover

Schwitters nombró todo lo que había creado con la palabra Merz, un término inventado su significado. También escribió largos poemas de solo sonidos los cuales recitó con gran habilidad. En cuanto al arte plástico, los objetos recogidos del suelo sirvieron para construir esculturas y otro tipo de objetos que de esta forma adquirieron un sentimiento de respeto hacia la vida cotidiana en forma de suciedad y deterioro. Sus collages  extremadamente con pedazos de papeles recogidos del barro, tíquets del transporte, estampas y dinero viejo ya sacado de circulación.

Paris

La reunión del Premier Vendredi de Littérature fue confusa. Una gran audiencia se reunió para ver el potencial del DaDa. Primero, se recitaron poemas. Luego, mascaras declamaron poesía desarticulada de Breton. Por último Tzara leyó un articulo de periódico acompañado de campanas y sonajas haciendo que el público perdiera la paciencia y se enojara. Gracias a la persistencia y a la distribución del Bulletin DaDa, el cual toma una posición anti-pictórica y anti-literaria, el movimiento alcanza su máxima intensidad en Paris. Para mantenerse en este estado, el DaDa trata de invadir la vida misma de una forma más directa y intima.

“Le Congrès de Paris” realizó unos actos con el objetivo de darle fin al movimiento. Breton, ya cansado de las bromas organizadas del Dada, decidió unirse al congreso, el cual apuntaba a determinar la dirección y la defensa del espíritu moderno.  Disensiones, rivalidades, disputas personales y tendencias contradictorias aceleraron el desintegramiento del DaDa. Reproducciones de Picasso, Max Ernst,Duchamp, de Chirico se mezclan con varios textos que hacen evidente la búsqueda en la poesía y criticismo, en el mundo del subconsciente y el sueño hipnótico. Picabia, aún fiel al movimiento, decide separarse del grupo mientras que ellos, liderados por Breton, dan comienzo a una nueva era cuando sacan a la luz el Premier Manisfeste du Surréalisme.

El juego de Hollywood

Apuntes sobre “El Espíritu Independiente” escrito por Barbara Boyle.

El movimiento independiente contemporáneo puede remontarse hasta los años 50. La gestión de Krim-Benjamin en la UA en 1952 atrajo a cineastas de espíritu independiente desarrollando un sistema de no intervención en la producción de sus películas después de aprobar al director, productor, reparto principal, guión, presupuesto y calificación. Su plan de negocios era funcionar como financiera-distribuidora, interviniendo sólo si un productor se apartaba de las autorizaciones acordadas previamente. La directiva de UA  luego esperaba la entrega de la película finalizada, y después trabajaba en el marketing y la distribución.

Los dos magnates de la distribución, rivales de la escena independiente americana entre los 70 y 90 fueron New Line (forma parte de Warner Bros.) y Miramax (forma parte de Disney).

El crecimiento de los ingresos del vídeo doméstico a comienzos de los 80 tuvo un gran y positivo impacto sobre la financiación y distribución independiente porque un porcentaje del presupuesto de una película podría asegurarse con el anticipo de los contratos de vídeos domésticos.

Esencialmente, el espíritu independiente se reduce a la integridad del control y la visión.

En 1980, un grupo de guionistas, directores, actores y productores de Los Ángeles se reunieron para compartir ideas sobre el proceso de cine independiente, formaron la agrupación sin animo de lucro Proyecto de Cine Independiente (IPF), que lleva adelante los ideales del cine independiente. Sus programas y servicios se dividen en: educación, apoyo  y construcción del público. Los premios que ofrece esta agrupación se rigen de ciertos parámetros de nominación tales como:

1. Singularidad de visión.
2. Un tema original y provocativo.
3. Economía de medios.
4. Porcentaje de financiación de fuentes independientes.

El productor verdaderamente independiente de hoy improvisa la financiación del presupuesto procedente de varias fuentes a cambio de los derechos de distribución definidos no por los medios sino por el territorio.

Apuntes sobre “Distribución independiente” escrito por Bob Berney.

Los grandes estudios de producción han ampliado su campo de productos plenamente financiados, parcialmente financiados o adquiridos creando sus propios sellos de distribución de estilo independiente como Paramount Classics, Sony Pictures Classics y Fox Searchlight que lanzan películas pequeñas que compiten con las de los distribuidores independientes autónomos. Los estudios se dieron cuenta del potencial de ingresos de los productos de estilo independiente, queriendo completar y crear sus propios catálogos.

El desafío para los ingresos independientes son las ventas a televisión; no hay muchas cadenas de TV que compren licencias de películas independientes, aparte del Independent Film Channel y el Sundance Channel.

Es importante seguir el rastro a productos que a menudo están en el radar de un estudio o han sido rechazado por ellos; tener ingenio para el marketing de base, empezando modestamente y localizando con exactitud al público objetivo; mantener relaciones cercanas con el exhibidor, aceptar el hecho de que, aunque éste es un negocio arriesgado, también es gratificante.

Apuntes sobre “El Exhibidor Independiente” escrito por Robert Laemmle.

La exhibición independientes existe hoy en un clima más difícil debido a la reciente expansión circuitos. Existe una amenaza a los cines independientes locales debido a que las películas están siendo adquiridas por grandes cadenas.

Hay dos elementos que preocupan dentro de la escena de las películas de habla no inglesa frente a los productos de Hollywood. Primero, en ciertos mercados internacionales (incluyendo Francia e Italia), la asistencia a las películas americanas va en ascenso; para las películas autóctonas puede ser baja. Esto perjudica a la producción cinematográfica local, y por lo tanto hay menos películas disponibles para la importación a los Estados Unidos. Segundo, Hollywood atrae a los grandes cineastas de todo el mundo que empezaron en su país natal y se marcharon para hacer películas en Hollywood. Esto es quizás inevitable, porque los cineastas tienen derecho a disfrutar del éxito en su trabajo, lo que usualmente significa tener acceso a un público más amplio a través de películas de financiación americana, pero puede ser una desgracia para la industria del cine local que los generó.

Apuntes del “Manifestos del Cine Ojo” por Dziga Vertov

Cine-ojo: Movimiento iniciado por Vertov basado en la teoría de la objetividad cinematográfica.

Se hacían llamar kinoks para diferenciarse de los “cineastas” convencionales de la época.

Como kinoks, agradecían al film de aventuras americano, ese film lleno de espectacular dinamismo, con puestas en escenas americanas a lo Pinkerton, la velocidad de paso de las imágenes, los primeros planos.  Su interés se enfocaba en filmar la poesía de la máquina, el hombre eléctrico perfecto; no querían filmar al hombre porque este no sabe dirigir sus movimientos. El hombre “nuevo”, aquel liberado de la impericia y de la torpeza y quien adopta los movimientos precisos y ligeros de la máquina, será el noble tema de los films. Como movimiento exigían la necesidad, precisión y la velocidad.

El kinokismo es el arte de organizar los movimientos necesarios de las cosas en el espacio, gracias a la utilización de un conjunto artístico rítmico conforme a las propiedades del material y al ritmo interior de cada cosa. La esencia del material tenía que surgir de los intervalos (pasos de un movimiento a otro)

Kinoks – Revolución                                                                                                                        Extracto de un llamamiento de principios de 1992

Los modelos “artísticos” anteriores a la revolución eran totalmente rechazados por este movimiento. Exclamaban que en ellos había un gran atraso artístico y se orientaban al pasado. Lo principal y lo esencial es la cine-sensación del mundo. A su vez comentaban que era un acto violento obligar a la cámara a acopiar lo que nuestro ojo viera, cuanto mejor era la copia, más contentos se estaba con la toma. El ojo se tiene que cometer a la voluntad de la cámara y se debe dejar dirigir por ella hacia los momentos sucesivos que conducen al desenlace. El cine-ojo debe ser constructor y debe ayudarnos a descifrar un nuevo mundo que nos es conocido.

El ojo mecánico, la cámara, que se niega a utilizar el ojo humano como recordatorio, busca a tientas el caos de los acontecimientos visuales, dejándose atraer o repeler por lo movimientos, el camino de su propio movimiento o de su propia oscilación, y hace experiencias de prolongación de tiempos, de desmembramiento del movimientos o al contrario de absorción del tiempo en sí mismo, de deglución de los años, esquematizando de esta manera os procesos de larga duración inaccesibles al ojo normal.

El cine-ojo niega la representación del ojo humano y su propia visión del “yo veo” y por la parte del kinok-montador (editor) tiene la fortuna de organizar los minutos de la estructura mediante el cine-máquina.

La organización de un cine-estación experimental

1. Kinopravda: (revista periódica) Boletín de información propagandística.
2. Noticiarios relámpago: Muestran los acontecimientos el mismo día que se producen.
3. Noticiarios cómicos
4. Estudios para los noticiarios
5. Cine publicidad: Fines económicos.
6. Experimentación.

Clases de cine- anuncios:

1. Anuncio bajo la forma más simple.
2. Anuncio noticiario
3. Anuncio truco
4. Anuncio caricatura
5. Anuncio improvisación
6. Anuncio cómico
7. Anuncio historia policíaca
8. Anuncio historia de detectives satírica.

Cine-ojo hace referencia a hacer visible lo invisible. Es la unión de la ciencia y de los noticiarios cinematográficos, con el objetivo de luchar por la interpretación comunista del mundo. El kinopravda sería el portavoz de los kinoks, su noticiario. El kinopravda no obliga a la vida a que se desarrolle de acuerdo con el guión del escritor, sino que observa y registra la vida tal como es y luego deduce ciertas conclusiones al respecto. Por otro lado, los kinoks por otro lado ha hecho que las caricaturas y la publicidad cinematográfica sean explorados.

El movimiento del cine-ojo que nosotros, los kinoks, cineastas de los noticiarios, dirigimos, es un movimiento de carácter internacional y su desarrollo camina al ritmo de la revolución proletaria mundial. (…) Establecer una relación de clase visual cine-ojo y auditiva radio-oreja entre los proletarios de todas las naciones y de todos los países, a partir de la interpretación comunista del mundo, es nuestra tarea.

 

Grandes directores del cine

D.W Griffith

Griffith realizó películas como elementos significativos tanto comercial como culturalmente. Además vio el cine como una oportunidad para experimentar. Realizó “Vistas”, series de escenas cortas donde exploró la producción audiovisual antes de comenzar con los cortometrajes.  Griffith construyó las historias por medio del montaje paralelo donde se cuentas varias situaciones durante una misma linealidad temporal. El director encuentra difícil realizar “The Birth of a Nation” (1915) porque Biograph no lo acepta, por lo tanto tiene que reunir dinero para llevarla a cabo. Gracias al éxito de esta película Griffith se propone un reto más grande con “Intolerancia” (1916).

Luis Buñuel

Representante del cine surrealista, Buñuel se encamina a desarrollar la sátira social frente a la iglesia católica, la cultura burguesa y la religión por medio de sus creaciones audiovisuales. Este artista también hace parte del movimiento avant-garde cuya principal función es la experimentación. En el año 1929 realiza varias películas como “Un Perro Andaluz”, “La Edad de Oro”(censurada por las autoridades francesas), “Mauprat”, “Las Hurdes, tierra sin pan” (financiada por un amigo del director y censurado por la República de España) y “La Caída de la Casa de Usher”. Buñuel fue contratado por la Metro Goldwyn Mayer como “observador” y es allí donde conoce a Charles Chaplin y Sergei Eisenstein. A continuación otros datos de su vida:

• También fue director de doblaje para la Warner Bros.
• Fundó Filmófono en la época donde el gobierno se interpuso en la consolidación de la industria cinematográfica.
• Fue contratado por el gobierno republicano para espionaje.
• Trabajó en el MoMa seleccionando películas anti-nazis.
• Hizo parte del cine mexicano pero fracasó luego del estreno de la película “Gran Casino”. Recupera fama con “El Gran Calavera”

John Cassavetes

Cassavetes hace parte de la Nueva Ola nortemaericana y se caracteriza por ofrecer una comprensión fílmica desde la perspectiva del actor ya que se centra en la actuación y las relaciones entre ellos como factores principales de la realización audiovisual. Este director está encargado en la edición de sus propias películas,conocido como director’s cut. Viola las reglas de Hollywood sobre temas elegantes y ritmos suaves dándole libertad al actor e inculacando la importancia de la improvisación. Algunas de sus producciones son “Love Streams”, “Minnie and Moskowitz”, “A Woman Under the Influence”, “The Killing of a Chinese Bookie”, “Open Night”.

Jon Just

Just se caracteriza por dar a conocer su voz personal y sin compromisos. Un autodidacta que se sumerge en el cine experimental mediante un estilo documental. Utiliza un movimiento de cámara fluida para llenar  de significado las tomas de expresividad y los aspectos psicológicos de los personajes. Just estaba totalmente en contra del cine que se hacía en Hollywood y, por eso, se separa de las abstracciones del avant-garde dándole importancia a la improvisación. Explora momentos muertos y el tedio convirtiéndolos en una rutina dentro del día a día de los personajes. Algunos ejemplos de su obra son “Last Chants for a Slow Dance”, “Speaking Directly” ,”Sure Fire” (retrato de un personaje autoritario y agresivo), “All the Vermeers in NY” (sobre el arte y su comercio).

Martin Scorsese

Scorsese basa su trabajo en experiencias propias, el día a día en Estados Unidos, su antecedentes italianos y su vida católica. Se hizo conocido por su trabajo en gran parte fuera del sistema tradicional de Hollywood, contando con el apoyo de la crítica periodística. Ayudó a editar “Woodstock” de M. Wadleigh y Roger Corman le pide dirigir “Box Car Bertha”. Luego realiza “Mean Streets” donde se revela su pasión por el cine noir, la obsesión por la actuación, los personajes ricos y un espacio-tiempo muy particular. Corman se negó a producirla por no usar black exploitation. Con “Taxi Driver” Scorsese generó controversia en el público pero técnicamente deslumbró con la actuación y la secuencia final caracterizada por estar brillantemente editada. A la par de realizar películas de ficción, este director suele hacer documentales.

Quentin Tarantino

Tarantino es guionista y director quien aprendió sobre el cine en una tienda de alquiler de vídeo en Manhattan donde revisó películas por cuatro años. Desde sus primeras películas como “Reservoir Dogs” y “True Romance” Tarantino se caracterizó por la desfiguración de a estructura clásica del cine y la implementación de diálogos ingeniosos, el humor negro y la violencia. Se le llegó a considerar como el nuevo Martin Scorsese y está fuertemente influenciado por Ringo Lam. “Pulp Fiction” fue financiada independientemente y  se destaca por su desorden temporal y sus personajes particulares. Inspirada en “Intolerencia” de D.W Griffith ganó el oscar a mejor guión. Otros ejemplos de su filmografía son “Four Rooms”, Inglourious Basterds”, “Natural Born Killers” (Tarantino participó como guionista), “Kill Bill”, “Jackie Brown” (Tarantino partició como guionista y se basa en la novela “Rum Punch”) En la televisión, este director participó en “Grave Danger” una adaptación para el cine de la novela gráfica “Sin City”. También comenzaron proyecto grindhouse, un homenaje al cine B de función doble “Planet Teror” – “Death Proof”

Abel Ferrara

Ferrara se acopla a los intereses temáticos y estilísticos de Scorsese pero se autodefine como outsider ya que sus películas se encuentran entre exploitation y el cine experimental. Resalta la corrupción, la violencia y el sexo; el lado sombrío de las calles de Nueva York.

Sus películas son cuentos morales, católicos, fábulas…pecadores que tratan de redimirse.

Christopher Walken

Otros ejemplos de sus películas son “King of New York”, “Bad Lieutenant”, “The Funeral”, “The Addcition”, “Body Snatchers”.

Robert Rodríguez

Rodríguez se dio a conocer con una película de UD 7.000 llamada “El Mariachi” la cual está inspirada en westerns y cintas de acción de los 60’s – 70’s. Su experiencia como realizador audiovisual comenzó con una super 8, continuó con equipo prestado y poco dinero. La banda sonora de sus películas es producida por él y en la mayoría de sus producciones el realiza mayor parte de la edición, la producción y la escritura de guión. Tuvo la oportunidad de participar en la televisión con “Road Racers”. Otras películas que Rodríguez realizó fueron “From Dusk ’till Dawn”, “Tha Faculty”, “Machete”, “Grindhouse”.

Cine de Explotación

El cine exploitation o de explotación copila las películas realizadas con muy poco o ninguna atención a un mérito artístico o de calidad. Se basan en una actitud, no en contenido.  Rompen con el esquema tradicional (Héroe vs. villano) Se caracteriza por su alto uso de violencia y sexo, juegan con la censura, los tabús. Las grindhouses eran los lugares utilizados para hacer las proyecciones de estas películas.

Grindhouses en la calle 42 de Manhattan.

La pornografía llevó al cine de explotación a una crisis en los 70’s ya que dejo a los productores de estas películas sin sexo para explotar. En respuesta a esto, utilizaron los problemas sociales para denunciarlos y así evadir censores.

Código Hays: Código de censura aplicado a partir de los años 70’s que controlaba el contenido del cine y limpiaba al cine de los males sociales como el adulterio, besos lujuriosos, perversión sexual, escenas de partos, trata de blancas y relaciones interraciales.

Tipos de cine de explotación:

• Slave exploitation: Películas que explotan la trata de blancas.
• Drug exploitation: Películas que explotan la adicción a las drogas.
• Nudie films: Películas que explotan la desnudez. Escenas explícitas.
• Sex education exploitation: Películas que explotan partos, abortos, higiene intima y demás temas secxuales con el pretexto de ser películas ”didácticas”y ”educativas”. Ejemplos como “Faster Pussycat Kill Kill”, “I’m Curious”, “Garganta Profunda”
• Teenage exploitation: Explotación de la rebeldía adolescente.
• Rougheis: Expotación de la violación y el sado-masoquismo.
• Gore: Exhibición de violencia explícita (mutilaciones, sangre y tripas)
• Blaxploitation: Explotación de la sensibilidad, la realidad y los estereotipos afro. Ejemplos como “Sweet sweetback’s baadasssss song”, ”Superfly”, “Shaft”
• Guerrilla filmaking: Filmar una película sin permiso en exteriores.
• Prision exploitation: Películas sobre cárceles femeninas.
• Nazi exploitation: Explotación de la imagen y de la ideología Nazi.
• Giallo: Cine amarillista en Italia. Pretexto de investigación para mostrar gore. Surge como respuesta a las películas de exploitation de Estados Unidos.
• Splatter film: Gore film. Subgénero del horror.Teatralidad de la mutilación. Interés explicito en la vulnerabilidad. Ejemplos como “Blood Feast”. Directores como George A.Romero.
• Gorno: Gore + porno. Ejemplos como “I Spit on Your Grave”, “Thriller”, “Holocausto Caníbal”
• Torture porn: Influenciada por el género Splatter en los años 2000.
• New French  Extremity:  películas cuya intención era transgredir sensibilidades y valores morales. Ejemplos como “Swimming Pool”, “Twenty Nine Plams”, “Trouble Days”.