La Narrativa Audiovisual en Videoclip

El guión es el esqueleto de una producción audiovisual. El resultado final, un cortometraje o un largometraje, siempre va a estar ligado al buen desarrollo de todas las fases de producción audiovisual y el guión es la guía para que todas estas funcionen en armonía durante todo el proceso.

Tipos de guiones para videoclip:

Existen tres tipos de guiones. Los de tipo A recurren a una narrativa. Ficción o no ficción, pero nos cuentan una historia. Son descriptivos y nos muestran imágenes relacionadas entre sí que construyen un relato. Los de tipo B se basan en generar una experiencia,desarrollan un concepto. Son los experimentales. No hay coherencia en las imágenes presentadas pero generan sensaciones y su poder aumenta al tener música que hace de guía. Y por ultimo tenemos los guiones tipo C que mezclan los de tipo A y tipo B.

Relación de la historia (tipo A) con la música:

Lineal: Las imágenes repiten lo que la canción narra.

Adaptación: La trama se desarrolla paralelamente a la música.

Superposición: Historia independiente a la canción.

Proceso de creación audiovisual:

Preproducción: Fase inicial donde la idea se convierte en palabras. Las palabras se ordenan en el guión. El equipo de producción es el encargado de alistar lo necesario para iniciar el proceso de rodaje y de edición. Se toman decisiones sobre que equipos de grabación utilizar, se hace investigación de sets y presupuesto de materiales y plantilla. Producción desglosa los tiempos de rodaje según costes y reservas.

Posproducción: El material ya está grabado. La edición se encarga de juntar todas las toman siguiendo el orden del guión y las pautas tomadas durante el rodaje para tener en cuenta inconvenientes y detalles significativos. Finalmente se hace el balance de color para juntar todo bajo una misma estética.

Escritura de guión:

Debe estar escrito pensando en la producción audiovisual utilizando una escritura sencilla. Se recomienda usar Courier New a 12 pts. con espacio y medio y utilizando mayúsculas cada vez que aparece un personaje nuevo.

El personaje siempre tiene una necesidad dramática y se define con lo que hace, no con lo que dice. Cada acción que ejecuta le corresponde una reacción con la misma fuerza en sentido contrario. El interior y el exterior del personaje son factores que se deben tener en cuenta a la hora de desglosar su historia.

• Interior: Desde el nacimiento hasta el inicio de la historia, es aquella información que no se muestra en la historia. Se debe indagar, hacer una investigación creativa donde se inventan preguntas y se encuentran respuestas de acuerdo a la necesidad del personaje.
• Exterior: Son todas aquellas descripciones que son evidentes en la historia. El vestuario, gestualidad, contextura física, vicios, personalidad y conducta. Aquí es esencial encontrar la voz del personaje. Las pequeñas acciones cotidianas van construyendo personaje.

La secuencia es un conjunto de escenas que están unidad por un mismo tema. Es una unidad o bloque de acciones dramáticas. Tiene planteamiento, nudo y desenlace y propone un género, un tono y una atmósfera.

La escena es una unidad individual de espacio, tiempo y acción. Tiene como propósito hace avanzar la historia (no más de tres páginas). Lo que define un cambio de escena es el lugar (interior o exterior), el tiempo (día o noche) y posición de la cámara.

Estructura

| Planteamiento| – – –   Nudos de la trama   – – –|^Climax^    Desenlace|

             1º punto de giro                     2º punto de giro

 Primer Acto       |          Segundo Acto             |           Tercer Acto           |

Programas gratuitos para escritura de guión:

Kit Scenarist

StudioBinder

Celtx (básica)

Ejemplo de escritura de guión:

1. Int./Habitación Felipe/Noche

FELIPE (15 años)cierra fuertemente la puerta detrás de él. Levanta su cabeza y ve los afiches pegados a su pared, varias bandas con sus instrumentos lo están viendo de vuelta. Se tira a la cama y hace caer todos los libros y papeles sobre ella.

• Ext./Casa Felipe/Día

DANIEL (14 años) se detiene frente a la casa de Felipe. Mira su reloj y corre hacía la puerta, golpea con sus puños cerrados y grita al parecer el nombre de Felipe. Busca con la mirada entre las macetas y cajas alrededor, se empina para sacudir la lámpara en forma de antorcha de arriba y hace caer la llave de la puerta.

• Ext./patio trasero casa Felipe/Día

TOMÁS (58 años)dobla las mangas de su camisa y tira su corbata sobre su hombro. Apila varios documentos con partituras en ellas, afiches, dibujos. Entre los papeles hay unas baquetas, se alcanza a ver un ukelele. Tomás gira su cabeza a la puerta de vez en cuando. Saca una caja de fósforos y la mueve entre sus manos (…)

Storyboard

Para lograr que las imágenes que queremos mostrar sean las que queremos que se muestren en las partes de la canción acordadas es importante hacer primero un desglose de la letra de la canción donde queremos que cada acción se desarrolle. El storyboard es el guión visual de nuestra producción, nos facilitará el proceso de grabación dejando claro que es lo que queremos mostrar y cuando.

AUDIO	VIDEO	PLANOS
Audio original de la escena	Felipe entra a su habitación cerrando la puerta tras de él.	(Dibujo de las acciones)
Audio original de la escena	Felipe mira sus afiches. Los miembros de la banda lo ven de vuelta.	(Dibujo de las acciones)
Audio original de la escena	Felipe se tira sobre su cama haciendo que se caigan as cosas que estaban sobre ella.	(Dibujo de las acciones)
(Intro instrumental de la canción)   Min 00:00 – 00:25	Daniel golpea la puerta y grita. Luego busca con la mirada entre la macetas y las cajas.	(Dibujo de las acciones)
(Intro instrumental de la canción)   Min 00:25 – 00:30	Daniel busca con la mirada enre la macetas y las cajas.	(Dibujo de las acciones)
(Intro instrumental de la canción)   Min 00:30 – 00:35	Daniel sacude la lámpara en forma de antorcha y hace caer la llave.	(Dibujo de las acciones)
(Verso 1)   Min 00:35 – 00:45	Tomás se dobla las mangas de su camisa. Tira la corbata sobre su hombro.	(Dibujo de las acciones)
(Verso 1)   Min 00:45 – 00:50	Tomás apila los papeles, las baquetas y el ukelele.	(Dibujo de las acciones)
(Verso 2)   Min 00:50 – 00:55	Tomás mueve la caja de fósforos en sus manos.	(Dibujo de las acciones)

El jaque mate de la rentabilidad a la creatividad en plataformas digitales.

Con más frecuencia nos encontramos con la desaparición de series sin previo aviso. Una parte del público se lleva la reveladora sorpresa que su serie ha sido cancelada después de buscar sobre su desaparición en foros, noticias y publicaciones en redes sociales. Con el amplio abanico de ofertas que contamos hoy en día ya sea en la televisión o por las plataformas digitales, es complicado sacar un tiempo para estar al día en muchas de las series que nos recomiendan o que obtienen un buen puntuación por parte de la crítica.

Una de las principales razones por las que las series se dejan de emitir es por la falta de audiencia. No es una ninguna novedad. La protección de material audiovisual también es un negocio que se debe cuida a pesar de que su argumento sea llamativo o sus personajes únicos. El gigante del streaming, Netflix, no ve el valor de las series que llegan a durar más de treinta episodios. No es rentable seguirlas y obtener que nueva audiencia se involucre. El modelo de consumismo en el sector audiovisual es una realidad que genera en el público una necesidad de engancharse a productos en poco tiempo. Crece el número de opciones que poco a poco van a ser más cortas. Y como son más cortas, dan la oportunidad de que sigamos el hilo de varias producciones simultáneamente.

Tenemos el ejemplo de Bojack Horseman. Esta serie logró una puntuación nunca antes pensada para ser una animación de seres antropomorfos en situaciones cómicas pero también muy oscuras. Hasta los mismos actores que dan vida a sus personajes se vieron sorprendidos al ver que rumbo estaba tomando la serie. Pero dio resultados de audiencia y eso basta para seguir con la historia ¿no? La verdad es que no parece ser así. El equipo creativo de Bojack Horseman fue notificado en la mitad de su sexta temporada que debía acabar con la historia, situándolos en una situación complicada. El catálogo de personajes había crecido, el mundo de Hollywoo había cambiado y los directores creativos se vieron en la valerosa tarea de llevar a buen puerto el argumento principal de la serie. Muchos de los momentos culminantes que crecieron a lo largo de la historia tuvieron que ser dejados a la deriva, no supimos qué pasó con la vida de muchos personajes que rodeaban a los principales y el final, aunque haya sido el más acertado teniendo en cuenta la situación, dejó el sinsabor de que se pudo haber dado más tiempo para su culminación.

Netflix contaba con su modelo de desarrollar plenamente una serie hasta que el público se enganchara en ella. Es una pena que en la actualidad parece no estar respetando esto a pesar de la buena respuesta (por parte de la audiencia y la critica) de muchas series canceladas antes de soltar su verdadero potencial. Tenemos otros ejemplos como los siguientes:

Mystery Science Teacher 3000 (Dos temporadas)

Puntuación de la crítica: 100%

Puntuación de la audiencia: 92%

 

One Day At a Time (Tres temporadas)

Puntuación de la crítica: 98%

Puntuación de la audiencia: 91%

 

American Vandal (Dos temporadas)

Puntuación de la crítica: 98%

Puntuación de la audiencia:89%

 

Marvel Daredevil (Tres temporadas)

Puntuación de la crítica: 92%

Puntuación de la audiencia:93%

 

Ahora solo queda esperar a la buena estrategia de otras plataformas de rescatar estas series canceladas y darle vida por otro canal de difusión. De todas formas esta es otra manera de lograr rentabilidad y “obligar” a que estos fieles seguidores se suscriban a otro tipo de plataformas para seguir su serie favorita.

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Puntuaciones tomadas de rottentomatoes.com

Mal guión y el ejemplo de Vox Lux

El guión es a la película como un molde es a una tarta. Es el esqueleto que da forma, sustenta y da firmeza a la historia que se quiere contar en corto, medio o largometraje. Hay que saber escribir una historia para luego poder darle una cara para mostrarlo a la gente. En imágenes se puede ver la debilidad de un guión si este está mal hecho. ¿Qué problemas puede presentar un guión?

Primero: La creación y desarrollo de los personajes. Cada personaje debe tener algo que lo destaque entre los demás. Sus acciones deben definir su personalidad y sus motivaciones deben ser puntuales. ¿ A donde quiere llegar? ¿Qué quiere cambiar o qué quiere obtener? Uno de los errores que se tiende a cometer al momento de escribir un guión es no dejar claro el objetivo de los personajes principales. Si no se tiene un objetivo concreto, el o ella no tienen un futuro dentro de la historia. Anda sin rumbo.

Segundo: El guión debe presentar al personaje y dejarlo desenvolver en el contexto de la historia. Otro error de escritura radica en dar por entendido donde y como vive el personaje, cuales son sus rutinas, su comida favorita o pasatiempos. Esto dificulta crear un vínculo entre el público y los personajes, se necesita esta empatía antes de destapar los sus defectos. 

Tercero: El guión debe tratar sobre una temática y puede estar contextualizada en otras más pequeñas. Pero es importante que procure resolver una (la más evidente e importante) a lo largo de la historia. También tiene que tener una concordancia en su evolución, eso quiere decir que las acciones tienen que tener un impacto de causa y efecto para que el público sea testigo de sus cambios tarde o temprano. No hay que apresurar la historia ni forzarla para evitar situaciones que no aportan nada a la historia ni al personaje.

Cuarto: La temática se desenvuelve bajo sus propias leyes pero es fundamental que el espectador sepa o entienda tal contexto. Hay que crear y construir esa realidad. Si la historia toma lugar en un mundo donde pasan acontecimientos sobrenaturales o surreales se debe dar al público las herramientas adecuadas para su entendimiento.

Quinto: La cadena de sucesos se van entretejiendo a medida que la historia avanza. Para eso los tres momentos ( inicio, nudo y desenlace) son fundamentales sin importar su orden en la línea temporal de la película. Introducimos a nuestros personajes, los enfrentamos a una adversidad y el personaje debe tratar o resolverlo en su totalidad. Consecuentemente, el personaje deber mostrar un antes y después al iniciar y al finalizar el relato.

Un ejemplo de mal guión en la actualidad podría ser Vox Lux,dirigida por Brady Corbet protagonizada por Natalie Portman. La película termina y es complicado saber de qué trata exactamente. ¿Es la historia de la fama de una artista pop del siglo XXI? ¿Una crítica a la violencia que azotan los colegios con los tiroteos? ¿La vida disfuncional de una persona famosa? Hay varias temáticas dentro de la historia pero ninguna se desarrolla en plenitud. Es verdad que se crea un vínculo con Celeste cuando es pequeña, pero ¿ hay alguno con la Celeste adulta? No lo hay porque la historia se corta abruptamente ante de que Natalie Portman entra en acción dejándonos en la duda sobre que ha pasado durante esos años. ¿Qué quiere lograr? ¿Un culto religioso con base a su música? ¿Tributo a los afectados por los tiroteos a nivel mundial? No es claro. Además, los tres actos de extrema violencia incluidos en el film no tienen sustento alguno.

La película sale a flote gracias a las excelentes presentaciones de los actores, la escena inicial del tiroteo es escalofriante (un muy buen abre-bocas para enganchar al público), el vestuario y maquillaje. La historia promete pero no se sabe a que dirección apunta y eso es debido a la carencia de un buen guión.

Encuentros de cine de allí, allá y acullá.

La migración y el mestizaje fueron los temas a exaltar dentro de la gran variedad de películas expuestas en el marco del FICCI en su edición 59. El ir y venir del hombre y la mujer a lo largo de la historia de la humanidad es una actividad constante que define a las naciones y construye a los pueblos. El festival trabajó de la mano con varias embajadas para constatar el mensaje de la importancia del personaje en movimiento, en búsqueda de nuevos proyectos y perseguir sueños rompiendo límites geográficos y barreras culturales. Él y ella están a prueba y nosotros como espectadores somos testigos de ello.

Emigrante no solo se le dice al que cambia su hogar por una ubicación desconocida. También se refiere a aquellas personas que están por descubrir nuevas etapas de la vida, donde el tiempo es el que empuja a esa persona a aventurarse a lo desconocido en lugar de una guerra o un propósito de un buen futuro. La ”Niña Errante” es esa persona a punto de descubrir su propia naturaleza, su propio cuerpo, el vacío de no haber crecido junto a una figura materna, femenina, determinante para afrontar cambios que son muy difíciles de entender por cuenta propia. Es la protagonista de una película de nuevas fronteras, nuevos mundos que todos tenemos que descubrir tarde o temprano. Esa niña errante es una viajera de la vida cuya función es mostrarnos esas barreras invisibles de la entrada a la adultez.

El festival es un excelente espacio para corroborar que se está creando cine en Colombia, más de lo que se puede ver en la cartelera de Cine Colombia un fin de semana. Hay contenido con olor a manglares, viajes de carretera, lluvia de tierra caliente, salsa y ritmos tropicales. Se está construyendo cine de paz, cine de barrio, cine más humano. ”La Paz” es una película sincera donde se logra mostrar a la guerrilla como sociedad que lucha, siente y sufre. Un grupo de gente que queda en la deriva mientras el futuro se decide en los diálogos de paz. Nunca se pensó que estos militantes nos despertarán cierta sensibilidad como Tomás Pinzón logra con este documental.

Los talleres y conversatorios son elementos esenciales para complementar el progreso de la industria audiovisual Colombiana y los acercamientos a producciones internacionales. Es evidente el gran esfuerzo de los organizadores de destacar la importancia de cada área audiovisual al momento de consolidar una pieza cinematográfica. De como funciona una cámara digital (como distinguir calidad según lo que se quiere obtener de la imagen) hasta las relaciones públicas y marketing. La parte negativa como artista: 59 festivales han tenido que pasar para aún ver el rol del guionista encasillado en la opción de ”otros” dentro de los roles de la escena audiovisual. Aún se ve como un oficio invisible y que pide a gritos ser reconocido como el origen de toda producción. Hay que darle el valor correspondiente desde estos eventos que tanto promueven el reconocimiento audiovisual.

Con una programación que nos hace desear que el día tenga 48 horas y una organización por todo lo alto, el FICCI es un evento que hay que ir por lo menos una vez en la vida. Las historias son importantes  pero es más importante aún saber como contarlas.

 

Cine independiente con S de Steven Soderbergh, R de Richard Linklater y J de Jonathan Demme

Steven Soderbergh comenzó a interesarse por el cine desde que estaba en el colegio y asistía a clases de animación con la ayuda de una cámara de 16 mm y un equipo de segunda mano. Su salto a la fama fue gracias al grupo musical Yes el cual lo contrató para que grabara un concierto de la banda. Su largometraje Sex, Lies and Videotape soprendió en los premios Cannes de 1989 ganando la palma de oro y esto dio paso a una larga trayectoria como director de varias películas exitosas como Erin Brokovich y Traffic.

Soderbergh se caracteriza por otorgarles cierta libertad a los actores a la hora de rodar una película para que así aporten lo necesario a sus respectivos personajes y prefiere trabajar con el mismo equipo ya que de esta manera se crea un ambiente de confianza y fidelidad. Se puede decir que su estilo muestra una historia bien definida y concisa, comparable con las películas clásicas de Hollywood que, algunas veces, tienen un punto de giro sorpresivo. Su puesta en escena se destaca por la dirección fotográfica en donde la iluminación trata de adaptarse al estado de ánimo de los personajes. Además, el uso de música ambiente para complementar la expresividad de las escenas y jump-cuts en la edición para jugar con el tiempo y percepción del espectador son frecuentes en sus producciones. A pesar de que comenzó su carrera como director independiente, Soderbergh fue contratado por Hollywood y siguió trabajando para la industria con películas como Ocean’s Eleven, Traffic y Out of Sight. Consecuentemente, las decisiones finales de sus películas ya dependen de la aprobación de segundos quitándole libertad para expresar su estilo cinematográfico parecido al de sus primeras películas. Ocean’s Eleven es un ejemplo claro de que no hay nada que enseñar al público sobre la historia o mejor dicho, una moraleja. La película es para divertir, mantener al espectador enredado en la trama con el uso de la yuxtaposición de tomas que confunden pero que, al final, hacen que el público se sienta astuto al usarlas para la resolución de la trama.

Es difícil establecer solo un género a las películas de Soderbergh debido a que sus historias son variadas y tratan temas diferentes probablemente por el hecho de que no siguió trabajando como director independiente. Por ejemplo, Sex, Lies and Videotape es un drama sexual, The Underneath es un remake de un film noir y Ocean’s Eleven es una comedia. Soderbergh se preocupa por construir lo mejor posible a sus personajes y simultáneamente desarrollar relaciones entre ellos. En cuanto a las situaciones desarrolladas, estas no les da miedo ser satíricas a pesar de que giran alrededor del drama, por eso debe ser que muchos comparan a Soderbergh con directores americanos como Hal Harltley y Jim Jarmusch. De esta manera, me parece acertado afirmar que Soderbergh podría encajar en el subgénero de la escuela de Nueva York por su manera tan similar de adaptar la realidad a una narración cinematográfica.

Richard Linklater utilizó sus ahorros de trabajos anteriores para comprar una cámara super-8, un proyector y equipo de edición y así comenzar su introspección en el mundo del cine. En compañía de Lee Daniel, formaron la Austin Film Society, centro de exhibición de cine independiente que impulsó la realización cinematográfica en Austin y a pesar de que ha ganado fama y sus películas han sido un éxito en taquilla, se ha negado a trabajar para los estudios de Hollywood y así mantener la libertad para realizar sus películas. Ha patrocinado el estreno de varias películas como Sin City y School of Rock, dirigidas por directores provenientes de esta ciudad como Robert Rodríguez y el mismo Linklater. En ella también se lleva a cabo el festival de cine de Quentin Tarantino en el cual se proyectan varias de sus películas favoritas de su archivo personal. No hace falta resaltar que estos directores también son considerados independientes y Linklater ha mostrado interés por trabajar con ellos dentro del mundo del séptimo arte en Austin aportando más y más a su crecimiento en esta ciudad.

Este director se caracteriza por grabar historias en donde el tiempo del relato era de 24 horas y que, por lo general, abarca costumbres y actos juveniles para resaltar los detalles de la generación de los ventiañeros de su época. Esto se puede ver claramente en Slacker, película que llamo la atención del público en Sundance, el festival de cine independiente más destacado, debido a su falta de trama y su singular estilo de narración. Es la historia de varias historias y como sus protagonistas se van entrelazando a medida de que transcurre el día. Muchos de ellos muestran indicios de exclusión, ya sea social o política, al entablar conversaciones sobre clases sociales, el control del gobierno en los medios, el desempleo, entre otros. La manera tan particular con la que narra esta película en específico totalmente desligado a la estructura clásica de narración afirma una vez más el estilo único que hace de este director uno independiente. El uso de diálogos y hasta la construcción de los personajes destaca el poco interés de crear héroes en la historia y solo se limita a presentar diferentes tipos de personalidades dentro de la sociedad. La película no intenta transmitir alguna lección sino solo quiere presentar y construir relaciones banales dentro de personalidades tan diferentes habitantes de un mismo lugar.

Teniendo en cuenta lo anterior, el trabajo de Linklater no se puede encasillar en un solo subgénero del cine independiente. Se puede llegar a decir que este director utiliza dos subgéneros para relatar los mismos temas de la cotidianidad, la juventud y la marginación. Por el lado dramático, tenemos películas como Waking Life y Slacker que, a partir de conversaciones filosóficas e existenciales entre sus personajes, van destapando los problemas que tienen que afrontar y la verdadera realidad de la sociedad. A su vez, Linklater despierta un interés por adaptar temas de la realidad estadounidense a su propio mundo diegético como se puede ver en Fast Food Nation, una crítica a la influencia de la industria de comidas rápidas o en Bernie una historia basada en hechos reales ocurridos en Texas que sin duda es tratada como si de verdad fuera un documental. School of Rock y Dazed and Confused muestran a personajes que viven dentro de estos mismos parámetros pero que, gracias al uso de la sátira y la exageración, se les hace más fácil vivir en la sociedad a la que pertenecen.

Jonathan Demme logró entrar al mundo del cine gracias a Roger Corman, quien le dio la oportunidad para trabajar con él en películas de explotación tales como Angels Hard as they Come y The Hot Box, y luego le propuso dirigir tres películas bajo la producción de New World Pictures. De esta manera, Demme se introdujo al cine independiente teniendo como tutor a el más destacado dentro de este tipo de cine. Luego tuvo la oportunidad de trabajar para Hollywood con su película Swing Shift, pero decidió seguir su camino como artista independiente luego de pasar por varios conflictos durante la realización. Para seguir como artista independiente, Demme aceptó realizar una grabación para el grupo musical Talking Heads. Al no estar relacionado con los grandes estudios, Demme decide crear su propia productora llamada Clinica Estetico, reafirmando así su autoabastecimiento económico, su libertad para representar cualquier historia a su gusto y su independencia como director.

Se ha caracterizado por crear personajes inusuales pero situaciones interesantes y su gran habilidad por elegir y dirigir a los actores que más encajan con los personajes de sus relatos. Su obra más importante es The Silence of the Lambs, la cual arrasó con los premios de la academia en sus cinco categorías y esto lo llevó directamente a la fama. Esto película evidencia la poca importancia de mostrar escenas fuertemente violentas o escenas de sexo frecuentemente para llamar la atención del espectador, doctrina que le fue enseñada por Corman pero que no siguió aplicando. Aún así, Demme comienza a estructurar su propio estilo basado en crear controversia mediante personajes insólitos y situaciones impactantes sin tener que despertar el voyerismo mórbido del espectador. Desde este punto, Demme ha logrado dirigir otras películas taquilleras como Philadelphia, una película controversial sobre el SIDA y la homofobia, y Rachel Getting Married, la historia de una drogadicta tratando de recuperar su vida empezando con la reconciliación con su familia. En cuanto al mensaje que quiere dejar con su trabajo, se podría decir que este director quiere que el espectador no se fie en las primeras apariencias de los personajes ya que estos siempre nos van a sorprender con una faceta oculta. Además podría estarnos comprobando que no es necesario mostrar escenas exageradas con actuaciones superficiales para mantener al público interesado en la narración; este se tiene que divertir pero a su vez pensar y reflexionar como si fuera otro personaje más en la película.

A pesar que ha dirigido algunos dramas, Demme ha mostrado desenvolverse mejor en el género Neo noir. La mayoría de sus películas se caracterizan por ser thrillers con una trama muy bien desarrollada, como por ejemplo, The Silence of the Lambs. En esta logra representar de manera impecable la incómoda búsqueda de pistas dentro de una mente psicópata por parte de una investigadora del FBI. Los dos remakes que ha realizado son de películas que también tratan tramas misteriosas y de persecusión: The Truth about Charlie basada en Charade, película dirigida por Stanley Doren y la cual tuvo criticas muy positivas al combinar el thriller, el romance y la comedia en una sola historia. The Manchurian Candidate, el remake de la película de John Frankenheimer del mismo nombre, también utiliza el thriller para desarrollar la historia de un lavado de cerebro de una familia poderosa dentro de la política en la época de la guerra fría.

Filmografía:

Slacker,(1991), dir. Richard Linklater

Fast Food Nation, (2006), dir. Richard Linklater

Bernie,(2012), dir. Richard Linklater, distribuida por: Millemium Entertainment

The Silence of the Lambs, (1991), dir. Jonathan Demme

Philadelphia, (1993),dir. Jonathan Demme

The Manchurian Candidate, (2004), dir. Jonathan Demme

Sex,Lies and Videotape, (1989), dir. Steven Soderbergh

Kafka, (1991), dir. Steven Soderbergh